快牛盘
数千年前，《山海图》的绘制者们站在远古，记录着被洪水卷走的太古文明。而今，冰岛艺术家Sruli Recht在深圳构建了另一副图景：不是回望已逝的洪荒，而是预见即将到来的废墟。
“墟构：未来遗迹”以近70件作品摒弃工业逻辑，借鉴地球自我塑造的原始语法——矿物沉积、地质作用、生物蜕变，将文明消散后的遗迹提前显形。两个“大荒”形成对称：一个太过往过去，一个太过往未来，但它们共享同一种叙事——在极端的时间维度上，理性秩序瓦解，物质重新获得神话性。
当《山海图》消失于洪水，“墟构”则预言着另一场变迁。这是从未来寄回的倒叙日志，是为即将消失的文明预先建造的纪念碑。
《幻驱》©Sruli Recht
“有物焉，其状如卵，三千钻石为甲，其内藏雷，其名曰幻驱。”
——“墟构：未来遗迹”，公元2025年
冰岛艺术家Sruli Recht与作品《核瀑》
2025年12月6日，冰岛艺术家Sruli Recht在深圳海上世界文化艺术中心构筑了一个镜像的“大荒世界”。在他的新展“墟构：未来遗迹”中，呈现的不是场景，而是一处来自未来的考古断层——一个人类早已退场、秩序废止、语言沉默后的遗迹现场：没有叙事中心，没有文明主语，只有物质本身在继续沉积、生长、腐化与回归。这里的时间并非向前推进的线性，而是一种地质性的循环与塌缩；这里的世界观也不是启蒙意义下的“现代”，而是神话在高压与废墟中重新结晶的形态。
《核瀑》©Sruli Recht
上古文献中的“大荒”指向文明尚未建立秩序之前的世界，而Recht想象的未来废墟，则指向文明瓦解之后的世界。如果说大荒是“未被命名的过去”，那么“墟构”便在呈现“尚未抵达的未来”——两者在时间轴上或许相隔无限的遥远和久远，却以同一种方式逼近我们：在人类退出叙述权之后，物质重新夺回主导，它成为意义的生产者、世界的叙述者、神话的制造者。
在足够漫长的时间尺度前，神话与科技不再对立，它们只是解释世界的不同方式；文明与废墟的界线也因此变得模糊。一切最终都回到物质自身的命运，而“墟构”——正是对这种命运的预演与冷静见证。
进入“墟构：未来遗迹”的展区，黑色成为遮蔽一切的未来隐喻。在这近1000平米、被划分为11个有机联系区域的空间里，光只给你未来想让你看到的节点景象——那些悬浮于黑暗中的作品，像是未来的虚空中偶然显影的遗迹，也像是解读未来的巫仪禹步中的神秘驿站。
每件作品后的墙上，用白色粉笔画出了既上古象形又未来极简的符号，完美呼应作品的名字以及墙上的解读文字。这些符号介于甲骨文的象形与未来文明的编码之间，仿佛是从遥远的两端——过去与未来——同时抵达当下的密语。
《感谐》©Sruli Recht
每个展区弥漫着独特香氛，由艺术家携手香氛团队设计并指导制作，与材质、视觉和声景紧密交织，构成展览叙事不可或缺的感官层次，引导观众通过嗅觉感知空间的情绪与节奏。有些作品会发出声响并成为作品的一部分——冰岛音乐巨匠Valgeir Sigurðsson创作的环境音景，将冰岛的辽阔、地质的脉动与电子的空灵融为一体。
在五感具足而又不充分的状态中，观者们经历了漫长而神秘的展览过程。展览空间设计由INCLS创始人卜冰担纲，他将整个体验设计为“一个暗黑山水中的行旅，以园林空间建构的方式，将情绪的起伏暗藏在行走的节奏之中，并时刻重置观者与艺术作品之间的紧张关系”。从初始的紧张与敬畏，逐步推向亲密与诙谐，最终归于情绪的宣泄与释然——这是一场调动所有感官的仪式，一次从人类穴居深处出发的心灵旅程。
冰岛艺术家Sruli Recht
Sruli Recht是一位享誉国际的艺术家与设计师，以其对材料与制作的前瞻性探索而闻名。他出生于耶路撒冷，曾任职于伦敦Alexander McQueen，如今在澳大利亚及冰岛生活和工作。
过往作品《DAMAGE》系列《PHASE CHANGE》©Sruli Recht
这样的履历勾勒出一个真正游牧者的轨迹：从中东宗教的古老沃土，到伦敦前卫时尚的锋芒，再穿越南半球的墨尔本，最终抵达冰岛——那片地球内部力量赤裸显现于地表的极地。冰岛的极光在夜空中舞动，冰川、火山、黑沙滩与精灵、巨人、矮人的传说纠缠，现实与幻想在此共生。凡尔纳在《地心游记》中将冰岛设为通往地球深处的入口，而Recht在这里汲取对地球本体论的直觉。他的创作在地质的力量、神话的回响与光影的律动中生长，形成独特的时间感与物质观：既扎根现实，又在想象中延展，仿佛在冰与火、光与影之间探寻存在的秘密。
过往作品《DAMAGE》系列《UN BALANCED》©Sruli Recht
而这一次，他从墨尔本来到深圳。去年11月，年轻的艺术机构Orenda Art决定与艺术家共同赴一场冒险，特意邀请他来这座中国南方的科技之都。从搭建工作室、招聘艺术品制作团队，到展馆选择和呈现方式，中国团队在短时间内高效配合。
初到深圳，Recht的第一感受是：“庞大、有种原始的动力；但所有的物流又极度数字化和高效。”这种矛盾感恰恰呼应了他作品中的主题——在最先进的技术表面下，涌动着最原始的生命力量。从冰岛的地质神话到墨尔本的南半球日常，再到深圳的未来速度，Recht完成了一次从“地心入口”到“未来入口”的时空穿越。
在“墟构”的创作中，Recht摒弃了工业化的制造逻辑，转而借鉴地球自我塑造的原始语法——矿物沉积、地质作用、生物蜕变与有机生长。这种思维方式的形成可以追溯到他的早年阅读。
过往作品《LUXURY OF CHOICE》系列©Sruli Recht
“在成长初期，我深受科幻作家及其超越当下思维的滋养：William Gibson的赛博空间、Bruce Sterling的思辨未来主义、Philip K. Dick的哲学追问，”Recht说，“我通常从文字中获得灵感，它们是人类思维超越常规界限的思考。就像在问：在常规之外，还有什么可能性？”
他提到一个有趣的观念——记得是在一本建筑书中读到的——“我们总是以已知的尺度、已知的模式去想象未知。”而Recht的创作，正是在挑战这种局限：他不是用已知去推测未来，而是让未来的废墟反向照亮当下。
过往作品《LUXURY OF CHOICE》系列©Sruli Recht
“我只是在追随一种感觉，”Recht说，“我的双眼与感官不断扫描、梳理周围的环境，寻找那一丝火花。而当我触及某样东西时，就在那种本能的瞬间，我便明白，自己找到了得以延展的线索。”
过往作品《ABYSSICIDE》系列《Body Two》©Sruli Recht
过往作品《ABYSSICIDE》系列《Body Three》©Sruli Recht
Recht的“另类造物谱系”是一部逆向的物种志：它不记录已存在的异类快牛盘，而是预演未来的异质性。每一件作品，都是可触摸的哲学命题，都是对未来遗迹的预言性书写。
然而，正如Recht在开幕时所说：“我想表达什么并不重要，你感受到了什么才更重要。”这为我们理解这些作品提供了关键线索——艺术家创造的不是确定的答案，而是开放的体验场域。以下的观察，仅是众多可能性中的一种路径。
《水谕》：生长的容器
《水谕》©Sruli Recht
铜编织的骨架沉入深圳的海水，通电，等待。矿物开始缓慢生长，像珊瑚，像结晶，像城市与海洋之间看不见的对话被物质化。这不是人类单方面的制造——人类提供骨架，海洋提供血肉，而时间，作为第三个作者，决定着最终的形态。
《水谕》©Sruli Recht
反制造的造物术在此显形：放弃控制，让地球的力量参与创作。它是一个“vivarium”（生境容器），与reliquary（圣骨匣）相反——后者盛放死亡的遗骸，前者则为尚未到来之物预留空间：那些我们还不知道如何命名的希望、潜能与未诞生的生命。深圳的海水在此“刻录”自身，将此时此刻城市、陆地与海洋之间的物质交换，凝固为一座可触摸的肖像。
《水谕》©Sruli Recht
《天穹》：闪电的化石
闪电穿过沙粒的瞬间，高温将其熔融为玻璃。这个过程本身就是神话：天火触地，元素在极端条件下转化，暴力在一瞬间凝固为永恒的形态。Recht用高压电复刻这一自然现象，让“雷神”的力量被困在吊灯的结构中。
《天穹》©Sruli Recht
当我们仰望这些由硼硅酸盐玻璃珠、钢与铅构成的吊灯时，我们看到的是电力与矿物抵抗力相遇的那个瞬间——一个被无限延长、可以反复凝视的瞬间。闪电是最短暂的，玻璃是相对永久的；暴力是破坏性的，但它留下的痕迹却成为美的载体。将瞬间的暴力凝固为永恒的形态，让气象神话成为可悬挂于空间的雕塑。
《核瀑》：在空无中生成
氢与氧在催化表面相遇，水滴诞生。这个最基本的化学反应，却抵达了某种形而上的神圣——在原本什么都没有的地方，物质出现了。每一滴水都经由压力、热量与元素的精确结合而产生，于荒芜中孕育物质的神圣瞬间。
《核瀑》©Sruli Recht
作品也是关于创作本身的隐喻。真正的创造不是奇观，而是规训；不是灵光一现，而是在无人注视的孤独中，耐心地等待元素的结合、等待物质从虚空中显现。它揭示出“自然界的创造是一种规训，而非奇观”——这一隐喻，也适用于艺术创作：那些在无人注视下的孤寂、耐心与缓慢进展。让我们重新凝视那些习以为常的存在——水，其实是最神秘的生成。
《地卜》：失效符号的墓碑
《地卜》©Sruli Recht
黑曜石镜面上刻着DINK、YUPPIE、FIRE、HENRY——这些当代经济身份的缩写，由熔岩铸成，像是为尚未死去的符号预先建造的墓碑。这些编码曾定义人的价值与身份，但在地质的时间尺度上，它们不过是即将风化的铭文。
《地卜》©Sruli Recht
Recht不等这些符号自然消亡，就用火山玻璃为它们立碑——仿佛来自未来的考古学家，回到当下，记录那些即将失效的价值体系。每一块黑曜石都是一面镜子，映照着我们当下的身份焦虑，也预示着这些焦虑终将归于沉寂。《地卜》成为“代际风化的记忆档案——关于地质记忆与经济消失的大语境下的时代章节”。
《蜂孕》：对枯竭世界的祈祷
《蜂孕》©Sruli Recht
蜂群消失了，但人类仍然用它们的躯体、肢节、羽翼构建仪式造像，祈求繁育与丰收的回归。这些包裹着蜂皮绒毛的黑色银框，是荒诞与徒劳的结晶：蜂群被降格为迷信的工具，而物的形态，试图与消逝本身达成和解。
枯竭时代的描绘在此显形。当生态系统失衡，我们仍然执意渴求早已不存的丰饶，仍然用消失之物的残余来构建信仰。荒诞与徒劳相互绞缠：蜂群沦为迷信的工具，而物的形态，则试图与消逝本身达成和解。表面携带着消失作为肌理，每一件都是一份回归的请愿——献给一个已不再给予的世界。
《甲胄》：后地球身体的想象
半透明的皮革雕塑勾勒出一种推测性的解剖学：皮肤进化为精致的壳状结构，内外之界消弭，防护与装饰合二为一。这是关于后地球人类美学标准的想象——当地球成为过去，当人类必须适应新的环境，我们的身体会催生怎样的新理想？
《甲胄》©Sruli Recht
令人过目难忘的形态既是预言也是批判。它们勾勒出假想中的躯体，使得内外之界消弭，防护与装饰一体，迫使我们思考：当地球成为过去，人类将催生怎样的身体新理想？展示的不仅是未来可能的身体形态，更是审美标准的历史性：我们今天认为美的，是因为我们生活在地球上；当环境改变，美的定义也将随之改变。身体作为文化文本的极端演绎在此显形。
《感谐》：通感的机制
《感谐》©Sruli Recht
这个装置介于乐器与扩香器之间，通过音调的震动放大气味。这是一座感官建筑：当声音与气味开始作为同一种连续的材料运作时，身体通过吸入进入机制，闭合了声音与气味之间的回路。
感官系统交汇的实验在这里发生。在日常生活中，我们的五感是分离的；但在这里，它们被编织为一个统一的场域。不同感官系统的交汇将身体的注意力转向内在，声音与气味通感合一，引导感知向内沉浸。声音不仅被听到，也被嗅到；气味不仅被嗅到，也通过震动被感知。
展览在黑暗中蜿蜒前行，所有的作品——那些模拟地质生长的、生物蜕变的、物质返祖的——似乎都在为一个时刻做铺垫。当观众走到展览的尾声，聚光灯下，一枚由超过3281颗培育钻石铸就的“彩蛋”静置于绒布之上，幽然闪烁。这就是《幻驱》，这个后人类纪元的终极圣物。
《幻驱》©Sruli Recht
璀璨表面之下，暗藏着模拟手雷的保险销——欲望的开关：拉康所言的“小客体a”作为无法企及的渴望内核，使我们永远追逐、永远未及，从而构成主体自身；彼得·罗林斯将这种结构延伸至神学，指出信仰与欲望皆由“缺席”所维系，不因被满足而成立，而因永远无法被满足而延续；而在欲望的最深处，弗洛伊德的死亡驱力潜伏其间——每一种趋向欢愉的冲动，都暗含一条指向寂静、指向归零的回路。钻石象征永恒，手雷象征毁灭；它们在同一物体中被并置，恰恰勾勒出一个精确的哲学命题：我们追逐钻石，不是因为它本身，而是因为它承载的象征：永恒、纯净、完美。然而这种象征性的永恒，内部却埋藏着毁灭的引信，换言之，越接近永恒，越逼近毁灭；越渴望完美，越被自身的欲望结构推向终极的断裂。
Recht将这枚钻石雕塑视作终极的隐喻容器，用以探讨人类内心世界的矛盾性。这件作品回答了“墟构”整个展览的核心追问：我们穷尽技艺筑造的庇护所，我们投向未来的所有渴望，其内核是否都包裹着同一个无法化解的、关于占有与消亡的矛盾？我们建造的每一个“巢穴”，是为了寻求安全，还是为了囚禁自己？我们追逐的每一个“永恒”，是为了超越死亡，还是在加速走向它？
凡尔纳笔下的冰岛是通往地球内部的入口，而深圳——这座从渔村到科技之都的城市——则是通往未来内部的入口。Recht选择在这里展出，形成了一个完美的悖论：在最新的地方展示最古老的造物法则，在最快的城市预演最缓慢的变迁。而“墟构：未来遗迹”更像是一处被真实生成的世界片段。策展与制作团队并非在布置作品，而是在协助艺术家把一个“尚未存在的宇宙”引渡到现实之中。
《地卜》©Sruli Recht
创意制作人刘憬苓将这次经验描述为一次“从物质语法到感官构筑的全链路实验”——在这个过程中，艺术不再是视觉呈现，而是一套有机的生态系统：甬道的压迫、静场的释放、声波的流向、香气的地理、材质的呼吸，全都被精确纳入叙事的调度。正因如此，她说：“展览正在从陈列走向世界构建，而策展人必须同时具备制作人的精密、戏剧导演的节奏感，以及系统架构师的全局意识。”
这个过程充满了挑战。“展品很多都处于思辨设计领域的范畴，”刘憬苓回忆道，“因此在天马行空的艺术创想下，许多工艺细节、制作流程并未清晰。我们招募的整个制作团队对于工艺、材料有着深刻的理解，但不代表艺术家的创想完全与之相适配。整个团队会有争论、妥协；也有因为实验的狂喜而喜极而涕。所有人包括艺术家在此过程中，都在学习摸索。通常起码2年的设计到产品落地，我们用一年走完。这些压力和挑战可想而知。”
《感谐》©Sruli Recht
深圳的便利性在此刻体现得淋漓尽致。“各种感觉都有，”Recht说，“首先是便利：因为我们定一些艺术工具，马上可以网上采购而到货；但是由于此次展览要求的11个主题区域融合不同工艺、技术、甚至团队和共创者，加上很多作品还处于蓝图阶段，需要在很短时间内来论证测试工艺；很多时候是行不通的路，所幸中国整个制作团队给了很多解决方案。”
这一年间，团队不断在“概念高度”与“现实阻力”之间反复折返——既要守住作品的宇宙原理，又要让所有细节在物质世界落地。这种多维协作最终让“墟构”的沉浸式叙事成为可能：音乐、气味、光线、材质彼此嵌合，构成了一种脱离常规展陈语言的体验结构,也为当代艺术的沉浸式边界开辟了一个新的样本。
将“墟构”带入中国的Orenda Art，本身就是这个世界的一部分——它不是“引进”，而更像是“召唤”。这家由00后主导的年轻艺术机构，把艺术、科学与技术视为同一种语言的三个维度，致力于推动跨领域的突破性展览，注重公众参与，也注重沉浸体验与思维方式的重塑。
Orenda Art的CEO成雪儿说：“我们成长在虚拟与物质交织的时代，对我们而言，艺术从来不是静态的，而是一种现实的生成方式。“墟构”是一个流动的场——它同时触及材质、感官、未来性与社会语境。”
《水谕》©Sruli Recht
她坦言，在中国推动如此深度整合材质研究、感官技术与哲学叙事的项目，必然面临认知与执行层面的高壁垒，但正因洞察到当下艺术市场对新形式与新语言的需求，也因相信深圳这座城市的创新包容性，他们选择承担这场冒险。“这不是一项百分之百理性的决定，而是一种面向未来感知方式的战略性拓荒。”
在他们看来，“墟构”不是项目，而是一种“可能性的提案”：关于未来展览如何被建构、如何被体验，如何与感官、科技与叙事共同生成一座新的宇宙。
对于“墟构”想要传达的核心，Recht有着清晰的认知：“我认为，如果你从这个角度看待：艺术提出问题，而设计提供解决方案——我喜欢创造介于两者之间的东西，它既提出问题，也展现一种解答。它处于一种张力之中。那是一个具有教诲意义的时刻。它向你阐释自身，然后化为对话。它由此变得可被探讨。”
《天穹》©Sruli Recht
而展览的创意总监刘憬苓则将这种张力描述为一种开放性的邀请：“未来遗迹中展示了人类模拟地球造物的雄心，还有对于环境和消费文化的反思，甚至对于星际旅行的幻想和后人类时代的审美颠覆；它所描绘的未来是一个问题，或者说邀请观众一起来提出问题；同时，又是艺术家的自问自答，因为通过他的态度，许多视角十分明确。我愿意将此展览作为我们可以从当下跳脱出来审视自身的一个载体，而未来是怎样的都由我们共同参与书写。”
《幻驱》©Sruli Recht
Sruli Recht在深圳构建的“墟构”，是一封从文明末端倒寄回来的未来日志。一切像是反向漂流：我们正在建造的未来，可能早已是一片废墟；我们追逐的钻石深处，埋藏着手雷的引信；那些晶体、容器与符号，在时间面前都将沉积为下一轮考古的碎片。
更深刻的是，“墟构”并非单向指向未来，它同时照见当下。当我们站在深圳——这座不断以“未来”自我加速的城市——面对以远古造物法则生成的“未来遗迹”，所被点亮的其实是人类文明最深处的悖论：越是向前奔跑，就越走回起点；越是创造新物，就越复现古老的神话结构。
国际知名媒体StyleZeitgeist创始人Eugene Rabkin曾如此描述这一体验：展览并不提供预设观点，而是邀请你以开放的感知去抵达情绪本身。所有答案，都只属于亲身体验。
“墟构”所开启的这片边界之境——艺术、科技与哲学交汇的实验场——正静候下一位探寻者步入，去面对自己的未来，也面对文明的未来。
WORDS
Liroa
EDITOR
Lesley、August
DESIGN
Johnny lee
POSTED
December 12, 2025
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